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直擊愛奇藝AI劇場創作營：當奧斯卡攝影大師遇上AI

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直擊愛奇藝AI劇場創作營：當奧斯卡攝影大師遇上AI

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直擊愛奇藝AI劇場創作營：當奧斯卡攝影大師遇上AI

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定焦One（dingjiaoone）原創
作者 | 蘇有寧
編輯 | 阮梅
1895年 ， 巴黎一家咖啡館的地下室 ， 盧米埃爾兄弟的《火車進站》首次公開放映 。
當火車沿著鐵軌逼近鏡頭、仿佛要沖破銀幕的那一刻 ， 觀眾們驚慌失措、連連后退——那是人類對“影像”力量的初次戰栗 ， 也是百年電影工業的起點 。
130年后 ， 這種戰栗再次降臨 。
在愛奇藝的一個封閉創作營里 ， 奧斯卡金像獎得主、《臥虎藏龍》攝影師鮑德熹再次提及這部影史的開山之作 。 在他看來 ， AI技術帶給視聽世界的沖擊 ， 不亞于當年那列闖入人類視覺經驗的火車 。
正因如此 ， 73歲的他決定開啟一場新的冒險——與愛奇藝共同發起“鮑德熹·愛奇藝AI劇場”創作營（以下簡稱“創作營”） ， 面向全球征集AI創意 ， 從中篩選30組創作者開始訓練 ， 再挑出15組正式進入制片環節 。 據了解 ， 第一批作品最快將于明年1月上線 。
這是一場近乎瘋狂的實驗：一位在傳統認知上已經功成名就的電影大師 ， 試圖帶領30組青年創作者去挑戰目前行業的“深水區”——制作15分鐘以上的商業級AI劇情長片 。
11月中旬 ， 「定焦One」走進了這個AI創作營 ， 也在創作營的間隙與鮑德熹 ， 愛奇藝副總裁、智能制作部負責人朱梁 ， 愛奇藝燦然工作室總經理、《我的阿勒泰》制片人齊康聊了聊這場實驗背后的動機、挑戰與野心 。
“這是一次百年一遇的機遇 ， 你們是第一批淘金者 。 ”講臺上 ， 鮑德熹對30組創作者說 。 73歲的人 ， 語氣卻像年輕導演第一次摸到攝影機 。
講臺之下 ， 學員們如饑似渴 。 他們不停做著筆記 ， 偶爾還用電腦測試著什么 。 每堂課結束之后 ， 還有很多學員圍著老師 ， 溝通自己項目的難點和困惑 。 朱梁介紹 ， 很多創作組甚至凌晨兩三點還在討論項目 。 因為這個創作營激發了學員們很多新的想法和創意 。
【直擊愛奇藝AI劇場創作營：當奧斯卡攝影大師遇上AI】你能感受到 ， 那種久違的、關于電影未來的興奮正在這里重新發生 。
15分鐘：AI影像步入敘事“深水區”現階段的AI視頻作品 ， 多停留在1–3分鐘以內 ， 形式以視覺奇觀與MV拼貼為主 。 愛奇藝與鮑德熹給出的標準 ， 是至少15分鐘 。
這不僅僅是時長的增加 ， 更是敘事邏輯的改變 。
“千萬不要小看這15分鐘 。 ”鮑德熹解釋 ， 視頻時長一旦超過5分鐘 ， 就進入電影構造 。 而要把一個故事在15分鐘內講完 ， 對信息密度、敘事節奏都有極高的要求 。 因為觀眾沒有耐心等你鋪墊 ， 前3分鐘必須要有高潮 ， 每隔幾分鐘就要有新的戲劇沖突 ， 否則他們就會劃走 。
換言之 ， 這短短15分鐘 ， 創作難度絕不亞一部兩小時的電影 。
更棘手的是 ， 目前AI技術在長敘事面前 ， 暴露出了一系列致命的短板 。 愛奇藝副總裁、智能制作部負責人朱梁將其形容為“在技術的不完美中走鋼絲” 。
他總結了五大技術難點：
第一 ， 視覺一致性和連貫性 。 目前AI生成視頻 ， 同一場景在不同鏡頭或時間節點下 ， 其空間結構、道具細節 ， 尤其是自然光影很難保持物理邏輯上的連貫 ， 從而導致敘事空間失真 ， 削弱作品的沉浸感和可信度 。

圖源 / 愛奇藝行業速遞微信公眾號
第二 ， 人物表現與復雜動作生成不足 。 AI生成的表情尤其是微表情的準確性和生動性不足 ， 也無法完整、合理地生成復雜的交互動作 ， 如武打套招 。
第三 ， 材質真實感與音畫同步問題 。 AI渲染出的物體表面 ， 尤其是人物皮膚 ， 存在嚴重的“塑料感” 。 此外 ， 它很難讓角色的口型與臺詞精準同步 。 生成的聲音也帶有明顯的“AI味” ， 缺乏真人說話的特色、口音和情感起伏 ， 聽起來千篇一律 。
第四 ， 物理規律不符合常識 。 AI生成的畫面里 ， 杯子摔碎、球體碰撞后的彈跳軌跡等 ， 常常看起來“不對勁” 。 尤其是那些需要高度擬真的復雜大場面 ， 比如建筑物爆炸坍塌 ， AI目前還做不出電影特效中那種以假亂真的震撼效果 。
第五 ， 長時序鏡頭的調度與協同 。 對于涉及多元素、長鏡頭的復雜場景 ， AI在全局調度與控制上能力不足 ， 很容易導致長鏡頭敘事混亂 。
“所有瓶頸都意味著 ， AI創作正在從‘玩具階段’向‘工業應用’艱難爬升 。 ”朱梁說 。 愛奇藝的目標十分明確——不做“PPT式AI視頻” ， 而是做商業級劇情片 。 商業作品的底線 ， 是“觀眾不能跳戲” 。 任何技術瑕疵 ， 都會像警報一樣提醒觀眾“這是AI做的” ， 把人從故事里拽出來 。
這正是AI創作最折磨人的地方：當技術瓶頸短期無法突破 ， 創作者只能在藝術表達與內容策略上不斷妥協 。 “我們設置15分鐘 ， 并不是為了長而長 ， 更多是給故事足夠的容器 ， 同時也進一步激發AIGC技術的真正潛力與生命力 。 ”朱梁說 。
從抽卡玩家到新一代導演技術與藝術之間的平衡 ， 是這次創作營的靈魂 。
不同于市面上其他AI課程 ， 愛奇藝創作營沒有把“如何寫提示詞”視為核心 ， 而是把重點放回電影的本體 。 課程中既有MiniMax內容工作室負責人、生數科技美學專家等技術先鋒講授AI應用 ， 也有在創作一線的爆款導演、編劇——如《啥是佩奇》導演張大鵬、《南京照相館》《孤注一擲》編劇許淥洋 ， 分享敘事經驗與創作心法 。
課程大量篇幅都在講劇本結構、鏡頭語言、聲音音樂的情感調動 ， 幾天的密集授課像是一部被壓縮到極致的“導演速成手冊” 。
背后反映的 ， 是鮑德熹的一個信念：即便在AI時代 ， 技術不能脫離“電影（Cinema）”而獨立存在 。
鮑德熹口中的Cinema ， 是電影百余年來沉淀下來的影像語言 ， 是一門“用光影講故事”的手藝活兒 。
這門手藝包括劇本 。
編劇許淥洋在課程中介紹 ， 故事是一個重要的杠桿 。 一個好的劇本能讓幾千萬的小成本電影創造出數十億的收益；反之 ， 一個爛故事能讓耗資數億的大片“血本無歸” 。 而對于從業者來說 ， 故事難寫 ， 很多人窮盡一生都搞不清楚 ， 但一旦掌握 ， 便能讓你跑贏同行 ， 跑贏市場 ， 成為這個行業的阿爾法（Alpha） 。
也包括鏡頭語言 。
鮑德熹用《臥虎藏龍》的實戰經驗 ， 向學員們展示了藝術背后的“算計” 。 在拍攝這部電影時 ， 他大量使用了40mm鏡頭 ， 而非標準的50mm 。 因為40mm鏡頭既能讓人物無明顯變形 ， 又能稍稍拉開人物與背景的距離 。 這種鏡頭上微妙的變化 ， 創造了一個人物內心欲望與外部約束角力的舞臺 。

圖源 / 《臥虎藏龍》豆瓣官方劇照
與此同時 ， 《臥虎藏龍》的機位大部分在人物胸口位置 ， 而不是平視 。 用低機位塑造和凝視人物 ， 強調他們的崇高、掙扎 ， 以及最終無法掙脫命運的悲劇感 。
在鮑德熹看來 ， 鏡頭的構圖、視角、運動都必須有藝術目的和敘事功能 ， 是為了更好地講故事而不是炫技 。 光影雕刻形體 ， 而鏡頭運動賦予電影生命 ， 它決定了觀眾如何“進入”和觀看這個故事 。
在傳統的攝影機創作中 ， 這門手藝活兒非常體現攝影師的主體性 。
比如會有大導演在關鍵戲份的拍攝時一定要鮑德熹親自掌鏡 。 因為拍攝的過程會有很多瞬時的藝術決策 ， 幾乎每半秒鐘就是一個新的構圖 ， 攝影師需要根據人物動作和對白 ， 實時決定如何變換角度 。 人腦高速運轉 ， 充滿了即興與靈動 。
但在現在AI生成的視頻里 ， 創作者不用操控攝影機 ， 只需要提示詞 。 因此 ， 是否還需要掌握這門手藝活兒成為了很多人的疑問 。
在創作營 ， 一位電影科班出身的學員表達了當前的迷茫：身邊一些同行 ， 沒有經歷過專業影視訓練 ， 僅憑本能也做出了一些AI片子 ， 流量不錯 ， 觀眾也能接受鏡頭里的瑕疵 。 “我們還有必要學這些變焦鏡頭、這些手法嗎？”
鮑德熹回答得斬釘截鐵：“你面前是浩瀚大海般的Cinema ， 要有敬畏之心 。 因為Cinema才是我們的精神殿堂 。 ”
他強調 ， 電影是藝術的綜合體 ， 融合了視覺、聽覺、敘事等所有藝術門類 。 當AI技術讓一個人有可能獨立創作時 ， 他需要具備的修養就越多 。 “如果拋棄了Cinema的語言 ， 也就意味著無法與那些看著電影長大的觀眾進行深層溝通 。 ”
AI讓創作降低了門檻 ， 但決定作品高下的是“品味” 。 畢竟AI也好 ， 攝影機也罷 ， 工具都只是手段 ， 在掌握技術的基礎上 ， 用電影的思維去講故事 ， 而不是做簡單的“視頻拼湊” 。
齊康也表示 ， AI技術給影視創作制作帶來的革命意義或許是“技術平權” ， 它將打破專業創作者和業務愛好者之間的邊際 ， 也定將顛覆傳統影視娛樂內容創作和生產的模式 。
但對于當下的“專業創作者”來說 ， 除了關照AI技術催生的新生活形態和情感狀態 ， 亦應思考和探索 ， AI技術如何讓“視聽語言”進化 。 在齊康看來 ， 電影的一個本質屬性是“影像戲法” ， 任何新技術的引入都催生了電影形態的進化 ， AI亦是如此 。
尋找新大陸如何用好AI ， 這不僅關乎審美選擇 ， 更是一場關乎生存的產業探索 。
一邊是傳統影視行業步入寒冬 。 奈飛CEO Ted Sarandos曾公開預言“電影院時代已經終結”；導演陳凱歌也在金雞獎論壇上不無感傷地指出 ， 那種精雕細琢、追求藝術完美的創作方式 ， 正逐漸失寵于這個追求效率的新時代 。
另一邊 ， 短視頻與短劇正以驚人的速度重塑用戶習慣 。 一分鐘一集的強節奏敘事不僅爭奪著用戶時長 ， 更顛覆著長視頻的敘事邏輯 。 而AI技術催生的“漫劇”等新形態 ， 以比短劇更極致的節奏和商業模式加速爆發 ， 持續重構內容產業的生態格局 。
在鮑德熹看來 ， AI技術或許正為行業指引一條通往新大陸的航路 。 “短劇或許只是一陣浪潮 ， 終有退去之時；而AI ， 則可能是席卷一切的洪水 。 ”
他點出長視頻行業的根本痛點：高成本、高風險、長周期 。 一部好萊塢大片的制作成本動輒數億美元 ， 劇組規模龐大 ， 每一次攝影機的移動都意味著高昂的軌道鋪設費用 。 更重要的是 ， 集體創作模式常常讓導演和編劇在藝術表達上處處掣肘 。
而AI正在改寫這套規則 。 它賦予創作者“無限的權力”與幾乎零成本的試錯空間——幾乎可以把它看作是一臺無需軌道的、隨心而動的攝影機 。

圖源 / 愛奇藝行業速遞微信公眾號
正是在這樣的背景下 ， 愛奇藝通過本次創作營 ， 試圖在“低成本UGC”與“昂貴PGC”之間 ， 開辟出一條“AIGC精品長視頻”的第三條賽道 。
“我們希望讓優質內容以更快速、更富想象力、更低門檻的方式被創造出來 ， ”朱梁表示 。 愛奇藝正在探索建立一套全新的SOP（標準作業程序）：極低的邊際成本 ， 配以極高的工業標準 。
一旦這套模式走通 ， 平臺將不再受制于天價片酬與龐大劇組 ， 而是能夠像現代化流水線般 ， 穩定產出高品質的劇情內容 。
朱梁進一步闡釋：“我們以實驗者姿態 ， 主動承受技術不完美對藝術表達的折損 ， 目的是為了極限測試并推動技術邊界 。 這一切的終極目標 ， 是讓AI強大到無需被特意提及 ， 讓故事與情感重新成為唯一的主角 。 ”
鮑德熹預測 ， AI創作的黃金期將在五年內到來 ， 當下的所有探索都如同“摸著石頭過河” 。 他相信 ， 當技術真正成熟時 ， 用AI拍電影也許會像今天寫網文一般尋常 。
他將希望寄托于創作營中的學員 ， 語重心長地對他們說：“誰能把握住時代的風口 ， 誰就能成為King of the World 。 ”
這背后 ， 是鮑德熹一以貫之的核心思想：既要擁抱AIGC技術 ， 更要堅守Cinema的靈魂 。 他鼓勵學員借助AI這一強大工具 ， 去實現傳統拍攝難以企及的視覺想象 ， 但同時必須恪守電影敘事的根本規律——故事、節奏、沖突與情感 。 他期盼的 ， 是創作出有品味、有娛樂性、能真正打動觀眾的“新一代電影”(Next Generation Cinema) 。
“去擁抱新技術、駕馭它 ， 做出心中所想——這就是我的決心 。 ”鮑德熹對「定焦One」說 。
結語在訓練營的尾聲 ， 鮑德熹為學員們留下了若干條創作箴言 。 73歲的電影宗師 ， 親自指導年輕一代駕馭最前沿的工具——這不只是技術的傳承 ， 更是一場關于電影精神的保衛戰 。
愛奇藝的這場實驗 ， 象征著百年電影工業與前沿算法之間的一次深度握手：不是在對抗中走向消亡 ， 而是在對話中獲得重生 。
鮑德熹的創作Tips:
確定品味(Taste)：你想講一個什么樣的故事？是《拯救大兵瑞恩》還是短劇？
觀眾至上：不要孤芳自賞 ， 電影是大眾藝術 ， 必須聽到觀眾的掌聲 。
不急功近利：珍惜此次發布作品的機會 ， 不要為了趕工而犧牲質量 。
必須懂攝影：不懂攝影的AIGC創作者只是在胡拍 。
慎用旁白：盡量用畫面和動作講故事 ， 不要依賴大量的內心獨白 。
說人話：對白要樸實、生活化 ， 不要故弄玄虛 。
節奏：節奏要緊湊 ， 不要有無意義的停頓 。
拉片學習：針對自己的題材去拉片 ， 模仿大師的視聽語言 。
一分鐘梗概：必須能在一分鐘內講清楚你的故事 。
反復審視：用編劇、導演、攝影師三種身份反復審視劇本 。
關注表演：角色是故事的靈魂 ， 雖然AIGC很難控制表演 ， 但要盡力去模仿真實的人類狀態 。
多角度覆蓋：拍攝時多拍幾個角度（全景、特寫、過肩） ， 為剪輯留余地 。
用心配樂：音樂和音效是打動人心的關鍵 ， 不要用廉價的罐頭音效 。
大膽用色：可以嘗試全片黑白或特定色調 ， 形成風格 。
*題圖來源于愛奇藝行業速遞微信公眾號 。

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